01. The Decemberists – January Hymn

02. R.E.M. – Every day is yours to win

03. Chuck Ragan – Seems we are o.k.

04. Touche Amore – Touche Amore

05. La Dispute – King Park

06. Hot Water Music – Adds up to nothing

07. Samiam – El Dofano

08. Title Fight – Crescent shaped depression

09. 40 Watt Sun – Open my eyes

10. Charles Bradley – Why is it so hard

Statt der Best-of-2011 nun also wie gewohnt der „heiße Scheiß“…wie immer hier im Blog als Video-Playlist:

01. Sick of it All – World full of hate

02. Junius – Haunts for Love

03. Horace Pinker – Charms and Pills

04. Conmoto – Golden Dawn

05. William Elliot Whitmore – Dont need it

06. R.E.M. – So. Central Rain

07. R.E.M. – We all go back to where we belong

08. Düsenjäger – Abgesang

09. Hot Water Music – Adds up to nothing

10. Tom Waits – Bad as me

11. Tom Waits – Talking at the same time

12. La Dispute – King Park

Illustration von Josi Mark

Wenn man zwölf Jahre alt ist, gibt es nichts Lebenslustigeres als das Bestehen von Abenteuern. Nur ist in diesem Alter – zumal in Mitteleuropa – die Bandbreite möglicher Abenteuer bereits ausgemessen: Alle Apfelbäume wurden erklommen. Die Versuche, einen Tunnel ins Nachbardorf zu graben, sind allesamt gescheitert. Wenigstens das selbtgebaute Floß aber hat vielleicht die Fahrt ans andere Ufer des Baggersees mit wehendem „Dorfbande-Segel“ gemeistert. Auf der Rückfahrt erst zerfiel es in seine Einzelteile. Mit dem Floß zerbrachen auch die Hoffnungen auf richtige Abenteuer – so wie bei Tom Sawyer und Huckleberry Finn.

Darum flüchtete auch ich unter meine kuschelige rot-gelb gesprenkelte Decke – bewaffnet mit Kakao und Keksen bestand ich als treuer Gefährte der Hauptpersonen in den Büchern von Jack London, Jules Verne und Mark Twain so manch richtiges Abenteuer. Hier jagte Seite um Seite eine Nervenkitzelei die nächste. In ihren Geschichten war die kindliche Hemisphäre nicht durch Bundesstraßen begrenzt. Die Protagonisten lebten in einer freien Welt, in meist unberührter – beinahe wilder – Natur.

In den Wäldern, in denen sie herumstromerten, standen die Bäume nicht in Reih und Glied. In den undurchdringlichen Wäldern konnte man sich wirklich und wahrhaftig verlaufen. Im Forst nebenan konnte ich das nicht. Dort standen unübersehbare Wanderwegweiser an jeder Weggabelung. Zudem waren die Bäume mit farbigen Streifen markiert. So konnte wirklich niemand verloren gehen. Die Sehnsucht nach einem Sich-Verlieren in einer landschaftlichen Übermächtigkeit konnte folglich nur Projektion bleiben. In den Abenteuerromanen meiner Kindheit und Jugend aber wurde ich selbst zum Fixpunkt für Gefahren, die von der ummantelnden Ungewissheit, von der Wildnis, ausgingen.

Illustration von Josi Mark

Mit dem Älterwerden beginnen die Abenteuerbücher sich häuslich im Bücherregal einzunisten. Sie bleiben, wo sie sind, erinnern aber stets an die Sonntagnachmittage, eingekuschelt in die rot-gelbe Kindheitsdecke. Die Sehnsucht nach wahrhaftigen literarischen Abenteuern wird durch ihren Anblick immer wieder entfacht. Die Schmöker im Regal fungieren als Denkmal. Gleichsam durch sie angeregt, suche ich stets nach modernen literarischen Abenteuergeschichten. Auch als Erwachsener will ich schließlich Abenteuer bestehen. Auf der Suche nach ihnen bin ich entweder bei Historienromanen oder Reisereportagen gelandet. Beide Formen konnten mich nicht so für sich einnehmen, wie es dereinst die Abenteuerromane meiner Kindheit vermochten. Warum?

Die historischen Romane von etwa Ken Follett, Woolfolk Cross oder Noah Gordon avancierten in den letzten Jahrzehnten zu Bestsellern. Bei mir hingegen hinterließen sie einen faden Beigeschmack, wenn ich es überhaupt übers Herz brachte, sie zu Ende zu lesen. Allzu oft berührten mich die Geschichten nicht, stand das Historische wie der Schatten eines Ungeheuers vor der eigentlichen Handlung. Das allein wäre noch zu ertragen gewesen. Als ungleich schlimmer empfand ich, dass die Aufgabe des Textes, mich als Leser hineinzuziehen in eine Epoche, in eine andere Welt, hinter langatmigen historischen Darstellungen und erörternden Verästelungen zurücktrat. Noch ehe die Abenteuer der Protagonisten richtig begannen, hatten sie mich an einer Wegabzweigung verloren. Ich blieb am Wegesrand zurück und hoffte auf einen Abenteurer, der seinem Namen alle Ehre macht, nicht jedes Klischee seiner Zeit mit Anlauf ausleben würde und vorbeikäme, um mich als Gefährten mitzunehmen. Darum wendete ich mich Reisereportagen zu.

Diese Form hat nur selten mit Literatur zu tun. Zu abgeklärt, zu analytisch und zu journalistisch ist die Schreibe der Autoren. Die literarische Reisereportage ist eine Form, die, wie mir scheint, erst nach und nach wiederentdeckt wird. Die Abenteuer moderner Autoren sind daneben leider oft nur wenig abenteuerlich. Meist dreht sich alles um die kulturelle Fremderfahrung, um den Vergleich des Beobachteten und Erlebten mit den eigenen Erwartungen oder gar ausschließlich um das Innenleben des Erzählers. All das kann zweifellos auch spannend sein, auch wenn diese Formen an der entscheidenden T-Kreuzung eben nicht rechts Richtung Abenteuer, sondern links in Richtung einer kleinen Erhöhung abbiegen, um von dort aus das Geschehen aus sicherer Entfernung zu beobachten und zu analysieren.

Jedoch kann auch dieses Genre mitunter über sich hinauswachsen. Nicht nur bei den Leuchttürmen der Reportagejournalisten wie Egon Erwin Kisch (etwa in „Landung in Australien“) oder in den „Nahaufnahmen“ Landolf Scherzers kann man nachlesen, wie jemand beobachtet und sich trotzdem in das Zentrum des Abenteuers wirft – ohne Rücksicht auf Verluste. Nicht nur die Klassiker besitzen diese Unmittelbarkeit. Ebenso überzeugend abenteuerlich ist Wolfgang Büschers 2011 erschienenes Buch „Hartland“. Ein Mann geht zu Fuß von Nord nach Süd durch Amerika. Phasenweise läuft man neben ihm, kann das Flimmern des Asphalts im Sonnenlicht sehen und die Weite der Prärie körperlich erfahren. Und trotzdem: Das Genre wahrt im Allgemeinen die Distanz zum richtigen Abenteuer.

Illustration von Josi Mark

Vor einigen Wochen fiel mir ein Buch in die Hände, das mich bereits nach wenigen Seiten vollends in seinen Bann zog und in einer mir unbekannten Art- und Weise erstmalig seit dem Lesegenuss der Abenteuerromane meiner Jugend etwas zu leisten im Stande war, was kein „erwachsenes Buch“ bis dato geschafft hatte. Margaret Elphinstones „Stromaufwärts“ (Originaltitel: „Voyageurs“), erschienen 2004 im List-Verlag, liest sich wie ein Abenteuerroman, eine Reisereportage und ein historischer Roman in einem. Weder gehen die Abenteuer zu Lasten eines fast schon dokumentarischen Charakters, noch nimmt der historische Bezugsrahmen durch die Handlung Schaden. Auch das Dokumentarische überschattet weder das Innenleben der Protagonisten noch biegt es sich die historische Fassung zurecht. Mit einer verzaubernden Kunstfertigkeit verwebt Elphinstone alle Ebenen miteinander und erschafft damit Abenteuerroman, historischen Roman und literarische Reisebeschreibung gleichermaßen.

Obwohl sich Elphinstones Roman die Zeit nimmt dem Leser seine Geschichte auf über 500 Seiten zu offenbaren, ist die eigentliche Handlung schnell erzählt: Der junge englische Farmer Mark Greenhow macht sich 1811 auf, um seine jüngere Schwester Rachel zu suchen. Beide entstammen einer Quäkergemeinschaft. Rachel verließ mit ihrer Tante einige Jahre zuvor England, um in der Neuen Welt für die Überzeugungen der Glaubensgemeinschaft zu werben. Als Marks Familie in einem Brief der Tante erfährt, dass Rachel in der Wildnis Upper Canadas verschwunden ist, beschließt Mark gegen die Ungewissheit anzugehen und sie zu suchen.

Das Abenteuer ist die Suche. Es ist eingebettet in die detailgenauen Beschreibungen der Landschaften, des noch weitestgehend unentdeckten Kontinents. Die Indianer sind noch nicht vertrieben worden. Es ist die Epoche der Pelzjäger und –händler und der Auseinandersetzungen zwischen englischer Armee und der sich formierenden amerikanischen Union. Kanada und Amerika sind eine unwirtliche Wildnis. Die europäische Expansion sammelt ihre Kräfte, um sich einen Kontinent einzuverleiben.

In der Beschreibung des frühen 19. Jahrhunderts als eine Epoche zwischen unberührter Wildnis und rücksichtsloser Zivilisation versteckt Elphinstone ihren historischen Roman. Damit wirft sie ein Schlaglicht auf eine Zwischenzeit: Zwar hatte seit dem frühen 17. Jahrhundert die Besiedlung Nordamerikas durch Spanier, Franzosen und Engländer im großen Stil begonnen, aber die Industrialisierung steckte noch in den Kinderschuhen und die sinnflutigen Siederströme aus der Alten in die Neue Welt nahmen erst ihren Anfang. Elphinstone verwebt die Suche Marks nach Rachel immer wieder mit den historischen Gegebenheiten. So gerät Mark zwischen die Fronten der amerikanischen Union und der englischen Kolonialarmee, wird Zeuge der rasanten wirtschaftlichen Entwicklung auf den Schultern des Pelzhandels und trifft immer wieder auf Indianer, die besorgt in die Zukunft blicken in Anbetracht der Expansionspolitik der Weißen.

Illustration von Josi Mark

Aber: Das ist nur die halbe historische Brille, durch die hindurch Elphinstone den Leser auf ihre Geschichte blicken lässt. Die andere Hälfte ist durch die historische Tatsache geprägt, dass viele Quäker aus England in die Neue Welt aufbrachen. Mit ihren Glaubensvorstellungen und Idealen stießen sie in der neuen Heimat nicht selten an ihre Grenzen. Elphinstone führt das Quäkertum nicht als protestantische Sekte vor, nein, vielmehr versteht sie es, Marks Abenteuer immer wieder anzuhalten, um ihm die Möglichkeit zu geben, über das Geschehene als Quäker nachzudenken. In diesen Passagen finden sich dann die Glaubensgrundsätze, Lebensentwürfe und humanistischen Ideale der Quäker wieder. Ein Kunstgriff, der niemals abhebt, sondern sich stets anschmiegt an das Erleben des Protagonisten.

„Stromaufwärts“ bleibt trotz dieser doppelten historischen Perspektivität fortwährend ein beeindruckend stringenter Roman. Nie wird der Anschein eines Geschichtsbuchs erweckt. Elphinstone lässt sich nie dazu hinreißen historisch zu beschreiben. Vielmehr ist bei ihr das Historische ein Stilmittel, um Authentizität zu erzeugen und um den Leser einzuladen, sich vom Abenteuer verführen zu lassen.

Das Dokumentarische versteckt sich ebenfalls fast heimlich in der dichten Erzählung des Romans. Dabei werden nicht nur die indianischen Lebensweisen und Alltagswelten detailliert beschrieben. Während Mark jeder Information über seine Schwester hinterherjagt wie ein Regenbogen dem Goldschatz an seinem Ende, taucht man mit ihm ein in eine hybride Welt zwischen Wildnis und Zivilisation. Mark macht keine Bekanntschaften, die Elphinstone nicht zum Anlass nehmen würde dem Romangebilde mehr hinzuzufügen als einen weiteren Protagonisten. Die Figuren sind die Farbklekse in der historischen Schwarz-Weiß-Fotografie. Die Pelzhändler, Quäker, Indianer und Protoindustriellen; die Engländer, Schotten, Franzosen, Iren und Amerikaner – sie alle wirken wie die Nummernfolge beim Malen nach Zahlen: Erst durch sie wird es möglich, sich „ein Bild zu machen“, sich einzufühlen in eine Zeit und in eine Landschaft, die längst vergangen ist und heute nicht mehr exisitiert. Erst durch sie wird aus den farbigen Flächen etwas, das sich als etwas abhebt vom Hintergrund. Durch die Personen, denen Mark auf seiner Odyssee begegnet, wird der Leser an die Lebensumstände und Ideale der Menschen herangeführt, die diese Epoche geprägt haben. Mit diesem Ansatz ist Elphinstone ganz und gar Reporterin. Sie inszeniert ihre Figuren in einer Weise, die dem Leser ein Gefühl für das Alltägliche in dieser Gesellschaft vermittelt – durch die Augen derer, die sie prägen.

Trotz und wegen diesem historischen wie dokumentarischen Charakter fungiert die Suche Marks nach seiner Schwester, das Abenteuer, als Dreh- und Angelpunkt. Weil beides wie beiläufig in Marks Nervenkitzelei eingeflochten wird, liegt der Fokus Elphinstones stets und ständig auf dem Atemberaubenden, Einmaligen und Gefährlichen. Ob Mark in einem Kanu gefährliche Stromschnellen passiert, einen langen kalten Winter in einem Tipi inmitten der menschenfeindlichen Wildnis verbringen muss oder Zeuge des Krieges wird: immer vermag es die Autorin den Puls des Lesers jenseits von Normal zu halten. Jede Atempause nutzt sie schamlos aus, um zwischen den Zeilen die nächste Gefahr, Überraschung oder Wendung einzuleiten.

Illustration von Josi Mark

Nicht zuletzt ist das nicht nur Elphinstones Verdienst. Ohne die verzaubernde und fabelhafte Übersetzung von Marion Balkenhol wäre diese Achterbahn der Gefühle, dieses unvergessliche Abenteuer, wohl nur eine handzahme Erlebnisgeschichte geworden. Auch Dank ihr reichen nach 500 Seiten Lesevergnügen Kakao und Kekse nicht aus, um sich von den Strapazen des Abenteuers zu erholen. Man fühlt sich als wäre man eben selbst von einer langen Reise durch die Wildnis Nordamerikas im frühen 19. Jahrhundert zurückgekehrt. Es braucht einige Zeit bis man sich wieder zurecht findet im Hier und Jetzt. Was kann man von einem Buch mehr erwarten?

Diesen Leseeindruck nahm ich zum Anlass, um Kontakt zu Margaret Elphinstone aufzunehmen. Vor allem interessierte mich, wie es ihr im Prozess des Schreibens gelingt die drei von mir herausgestellten Ebenen – das Historische, das Dokumentarische und das Abenteuerliche – zu einer Einheit zu verweben. Mrs. Elphinstone erzählt mir von einem ihrer Grundprinzipien ihrer literarischen Arbeit: Alle Orte, die sie in ihren Büchern und so auch in “Stromaufwärts” beschreibt, besucht sie selbst. Die historischen Landschaften und Lebenswelten eignet sie sich dabei durch den Blick aus dem Heute an. Dabei profitiert sie vom wissenschaftlichen Fokus ihrer Arbeit. Neben ihrer Tätigkeit als Autorin ist Margaret Elphinstone emeritierte Professorin für Literatur und kreatives Schreiben.

Die wissenschaftlich fundierte Auseinandersetzung mit dem historischen Bezugsrahmen läuft bei der 63-Jährigen parallel zum kreativen Schreiben. Das leuchtet ein. Die einzelnen Zugänge zum Thema und zur Geschichte würden sonst voneinander losgelöst und müssten literarisch erst wieder zusammengefügt werden. Nicht so bei Elpinstone: „Ich lege mir einen Ordner mit Karten, Broschüren, Prospekten, Notizen und Zeitungsartikeln an, die ich während meiner Reisen gesammelt habe. Daneben trage ich wissenschaftliche Informationen zum Thema zusammen. Auf diese Art und Weise kann ich meinem Kopf die Welt erschaffen, in der meine Charaktere leben. So wird alles, was sie sagen oder tun, zu etwas, dass sie gesagt oder getan haben könnten. Während ich schreibe, weiß ich, was ich recherchieren muss und während ich recherchiere weiß ich, was ich schreiben will.“ Es ist ein leichtfüßig anmutendes Geheimnis, dass die schottische Schriftstellerin preisgibt, dabei scheint es doch die große Hürde, die große Kunst zu sein.

Elpinstone verknüpft das Persönliche, das Erlebnis und die Handlungsabläufe nicht nur mit den historischen und lebensweltlichen Gegebenheiten. Sie schafft es dank ihrer Methode ein dichtes Geflecht zu weben, in dem Geschichte und Fiktion miteinander verschmelzen. Margaret Elpinstone bringt diese Strategie auf eine klare Losung: „Das Fundament einer gelungenen historischen Erzählung ist die Vorstellung, dass es sich genauso hätte zutragen können, wie es der Autor oder die Autorin beschreibt.“ Dabei ist es trotzdem entscheidend, sagt sie, dass die Geschichte den Ausgangspunkt darstellt. Wenn sich die Geschichte erst entfaltet hat, der Leser in ihren Bann gezogen wurde, ist er auch gewillt „die Welt um die Geschichte herum mit den Augen der Protagonisten zu entdecken“.

Illustration von Josi Mark

Der Ausgangspunkt für „Stromaufwärts“ war eigentlich die Idee einer Geschichte über die junge Quäker-Missionarin Rachel, die in der amerikanisch-kanadischen Wildnis verschwindet und von ihrem Bruder verzweifelt gesucht wird. Sie entschied sich aus pragmatischen Gründen aber gegen eine starke Frauenpersönlichkeit als zentrale Figur, denn sie hatte bis dahin bereits fünf Bücher geschrieben, deren Hauptfigur eine weibliche Protagonistin war. So rückte ihr Bruder Mark ins Zentrum der Geschichte. So pragmatisch können Schriftsteller sein.

Die finale zündende Idee kam ihr während eines Gastsemesters an der Central Michigan University in den USA. Freunde und Kollegen machten sie vertraut mit der Geschichte der nordamerikanischen Indianer und der europäischen Besiedlung. Sie lernte auch selbst Native Americans kennen, die ihr Auskunft über ihre Traditionen und Geschichte gaben. Schlussendlich erschien ihr das „Durcheinander französischer, schottischer und anderer Kulturen in der Begegnung mit den nordamerikanischen Ureinwohnern ein idealer Katalysator für ihre Geschichte über aus England ausgewanderte Quäker“ zu sein.

Margaret Elpinstone gelingt mit ihrem Roman „Stromaufwärts“ etwas, dass vielen Erwachsenen wohl in der Tat zuletzt bei der Lektüre von Abenteuerromanen in ihrer Jugend widerfahren ist: Das allumfassende Eintauchen in eine nervenaufreibende Geschichte in einer Naturlandschaft ohne Bundesstraßen. Mit Haut und Haaren erwacht man nach der Lektüre wie aus einem Traum. Gleichzeitig wird einem die Enge, das Zusammengerücktsein der eigenen Welt, bewusst. In der Welt von „Stromaufwärts“ bestehen Landkarten aus weißen Flecken und Mark benötigt mehrere Tage, um wenige Kilometer zurückzulegen – mit dem Kanu, zu Fuß oder auf einem Pferderücken. Kurt Tucholsky hat einmal gesagt: „Wer die Enge seiner Heimat ermessen will, reise. Wer die Enge seiner Zeit ermessen will, studiere Geschichte.“ Statt selbst zu reisen oder zu studieren, kann man auch einfach Margaret Elphinstones Roman lesen.

Ich danke Josi Mark von ganzem Herzen für ihre tollen Illustrationen und empfehle allen Lesern einen Besuch auf ihrem Webblog.

(R.E.M. – “walk unafraid” 1998)

Gestern haben R.E.M. ihre Auflösung bekanntgegeben. Nach 31 Jahren. R.E.M waren immer da – nicht nur weil sie als Band zwei Jahre älter sind als ich. Auch weil sie mich über die Jahre nie allein gelassen haben: Sie waren zum verabredeten Zeitpunkt immer in Bewegung auf meinem Plattenteller. An ein Leben ohne sie werde ich mich erst gewöhnen müssen.

Foto von Anton Corbijn (Quelle:http://remhq.com/)

1992 bin ich 10 Jahre alt und gehe in die fünfte Klasse. Wir sind gerade umgezogen: von der Stadt aufs Dorf. Nachwende-Ostdeutschland ist nicht gerade „the place to be“. Die deutsche Wiedervereinigung wird in der kollektiven Erinnerung immer als Moment wahrgenommen. Der war es auch – für die Menschen im Westen. Im Osten bedeutet „Wende“ nicht den Sommer 1989, auch nicht den Oktober 1990, sondern letztlich alles zwischen Leipziger Montagsdemonstationen und Helmut Kohls Wahlniederlage. In dieser Zwischen-Zeit von neun Jahren wurde einmal alles über den Haufen geschmissen, durchmischt, neu aufgebaut oder planmäßig sich selbst überlassen. Heute würde man das planmäßige Insolvenz nennen. Für Kinder und Jugendliche entstanden so Freiräume – Abenteuerspielplätze.
1. Akt: Ein System tritt ab, 2. Akt: Das neue System tritt an, 3. Akt: Der erste Akt scheint vergessen, weil im 2. Akt so viel passierte.

1989 bis 1998: In R.E.M-Zeitrechnung ist das „Green“ bis „Up“. Alles dazwischen hält die drei Akte - zumindest aus meiner Perspektive – zusammen.

Winter 1992/1993

(R.E.M. – „Drive“ 1992)

Als ich im Winter 1992 jeden Morgen in den Schulbus steige, in dem mich die Dorffaschisten schon erwarten und mir zu verstehen geben, dass sie sich über meine roten Schnürsenkel ärgern, bin ich bewaffnet: ein Walkman und eine Kassette. Auf der A-Seite „Automatic for the people“. Ein Album, das nicht ganz auf eine Seite passte. „Drive“ war meine Hymne. Ich hab immer wieder zurückgespult. Das waren elektrische Gitarren, die für mich nach Erlösung klangen: raus aus dem Bus, raus aus dem Dorf. Außerdem dachte ich, ich wäre verliebt. Wenn ich „Drive“ hörte und sie in den Bus stieg, ich sie beobachtete, war sie noch schöner. Die gelernten Vokabeln im Englischunterricht reichten aus um zu verstehen, dass hier jemand über das Wegfahren, das Unterwegssein, den Fahrtwind, das Getriebensein und die Sehnsucht sang. Ich hört ihm zu.

Frühjahr 1994

(R.E.M. – “Let me in” 1994)

 
Kurt Cobain. Tot. Das Idol meiner Generation schießt sich in den Kopf. Ich stehe an einer Schwelle: Die Hippies um mich herum, scheinen von Anfang an nicht verstanden zu haben worum es geht. Als sie anfangen die T-Shirts zu tragen mit dem Porträt des Nirvana-Sängers, unterschrieben mit seinen Lebensdaten, rebelliere ich. Punkrock ist das Pferd auf das ich setze. Bis heute. Aber: R.E.M. bleiben. Das Album „Monster“ erscheint. Der Song „Let me In“ ist ein Requiem für Kurt Cobain. Michael Stipe und er waren Freunde. Die Band aus Athens in Georgia ist da, wenn man sie braucht – auch wenn ich im Schulbus jetzt Offspring, Green Day und NOFX höre.

Herbst 1996

(R.E.M. – Leave“ 1996)

A
Dieses Jahr kennt nur zwei Platten: Im Januar erscheint „Heavy Petting Zoo“ von NOFX. Im September „New Adventures in Hi-Fi“ von R.E.M. Die Pubertät streckt ihre Fühler aus. Immernoch Dorf, immernoch Ostdeutschland, immer wieder Sehnsucht. Weg, weg, weg. R.E.M. nehmen mich mit. Ist das ihre beste Platte, oder doch „Murmur“? Ich habe keine Ahnung, wer Patti Smith ist. Der Song mit ihr, „E-bow the letter“, aber ist auf meinem Tape für die einsame Insel. Bis heute.

Herbst 1998

.

Gerhard Schröder wird Bundeskanzler. Ich kann endlich mit einem Moped die Welt entdecken. Ich fange an mit Freunden Musik zu machen. Wir haben unseren ersten Auftritt. In zwei Jahren ist die Schule endlich vorbei. Dann fängt das Leben an. Den Soundtrack dazu spielen auch R.E.M. Ihr Album „Up“ ist keine Offenbarung, aber trotzdem nehmen sie mich mit. So eine Lebensliebe gibt man nicht auf.

Sommer 2004

.

Es ist der letzte Urlaubstag. Südschweden. Allein gehe ich am Ostseestrand entlang – immernoch mit Walkman. Ich höre dreimal hintereinander „Green“ von 1988. „World Leader Pretend“ ist auch auf dem Tape für die einsame Insel. „You are the everything“ auch. Der Moment bleibt für immer. Er ragt als etwas Besonderes aus der Erinnerungsbruchstück-Mauer heraus.  Ich rauche eine halbe Packung, spule immer wieder zurück, die Sonne geht unter, der Wind faucht mir ins Gesicht. Die Band und ich schwören uns lebenslange Freundschaft.

Herbstanfang 2011

Ich liege im Bett. Ich bekomme eine SMS. „Check mal deine Mails!“ steht da. Ich werfe den Rechner an und folge dem Link. „R.E.M. call it a day“. Ich fühle mich als wäre jemand gestorben. Ich liege wach. Ich bin traurig aber denke auch:  „Wow!“ Das muss man erst einmal machen. Nach 31 Jahren in Originalbesetzung so ehrlich zueinander sein und sagen: „Das war’s. Wir lieben uns alle, aber wir sind am Ende. Wir möchten erhobenen Hauptes abtreten.“

Jetzt

Ich bin nicht traurig. Wehmütig vielleicht. R.E.M. bleiben bei mir. Für immer.

01. HOT WATER MUSIC – Adds up to nothing

02. SAMIAM – 80 West

03. TOUCHE AMORE – Art Official

04. TITLE FIGHT – Crescent shaped depression

05. WILLIAM ELLIOTT WHITMORE – Everything gets gone

06. CHUCK RAGAN – Valentine

07. DAN ANDRIANO – From this Oil Can

08. MAKE DO AND MEND – Hand me downs

Liselotte Welskopf-Henrich (* 15. September 1901; † 16. Juni 1979)

Ich weiß noch genau, wie ich in der sechsten Klasse, immer dienstags, nach der Schule mit meiner hellblauen Kunstleder-Sporttasche auf dem Weg zum Reitunterricht an der Leihbücherei in Droyßig Halt machte. Zwar verfügte auch meine Schule über eine Bibliothek, aber die Auswahl an Jugend- und Abenteuerliteratur war hier ungleich höher.
Die Bibliothek war damals im alten Schloss untergebacht. In den verwinkelten Räumen war neben allerlei Belletristik der gesamte Kinder- und Jugendbuchschatz der DDR gesammelt worden. Die Romane von Liselotte Welskopf-Henrich fielen mir in die Hände als ich mit Jack London durch war. Neben den Sport- und Reitsachen fanden in der geräumigen Sporttasche eine Menge Bücher Platz.

Der Steinknabe von Liselotte Welskopf-Henrich mit Illustrationen von Dieter Müller

Ich weiß nicht mehr, welches Buch der Romanreihe mir zuerst in die Hände fiel. Ich glaube aber, es muss „Harka, der Sohn des Häuptlings“ gewesen sein. Zuhause hatte ich das verzaubernd illustrierte Buch „Der Steinknabe“, das sie bereits 1952 erstveröffentlicht hat. Die Illustrationen von Dieter Müller sind mir bis heute in Erinnerung geblieben.
„Der Steinknabe“ beruht auf einem Märchen der Lakota-Indianer. Welskopf-Henrich adaptierte die Geschichte in der Protagonistin Hiladih im Mittelpunkt steht. Sie lebt mit ihren zehn Brüdern im Wald. Als die Brüder eines Tages von der Jagd nicht zurückkommen, macht sich das Mädchen ohne Erfolg auf die Suche nach ihnen. Die ganzheitliche Lebensauffassung der Indianerkulturen Nordamerikas kommt in der Geschichte nun kindgerecht zum Tragen: Der Bach bemerkt ihre Trauer um die Brüder und schenkt ihr einen Kieselstein. Als Hiladih diesen an ihr Herz drückt, wird er lebendig. Ein kräftiger Junge wächst nun aus dem Stein. Was wie ein Schutzgeist anmutet, entwickelt sich mehr und mehr zum Problem… mehr sei an dieser Stelle nicht verraten… Kinderbuchautoren, die es vermögen Geschichten zu erzählen, die ihre einstigen Leser lebenslang in ihrem Herzen tragen, haben es nicht verdient, dass man ihre großen Geheimnisse auf schnöden Internetseiten preisgibt.

Die Söhne der großen Bärin

Aber zurück zu den Söhnen der großen Bärin: Mit der Romanhexalogie ist Liselotte Welskopf-Henrich ein Klassiker der Jugenbuchliteratur gelungen. Als ich heute morgen durch Zufall in der Küche auf den Literaturkalender sah, entdeckte ich, dass sie heute 110 Jahre alt geworden wäre. Ich winke in die ewigen Jagdgründe und bedanke mich für die Farbtupfer an den Wänden des Palastes meiner Kindheitserinnerungen. Ohne Tokei-ihto bzw. Harka wären die Wände ein Stück weit weiß geblieben.

Klosterruine "Heilig Kreuz" bei Meißen

1568 wird das Kloster im Zuge der Reformation aufgelöst. Luthers Kritik am Mönchtum mag dazu beigetragen haben. Nicht zuletzt Luthers spätere Ehefrau Katharina von Bora war selbst 1523 aus einem nahegelegenen Zisterzienserinnenkloster in Nimbschen nach Wittenberg geflohen. Die Nonnen hatten genug von männerdominierter Obrigkeit. Die Klosterbesitztümer gingen infolgedessen zumeist in landesherrliche Besitztümer über. Die Klöster verfügten ohne die Ländereien über keinerlei wirtschaftliche Grundlagen mehr.

Klosterruine "Heilig Kreuz" bei Meißen

So richtig erzählt wird diese Geschichte erst wieder seit 1994. Zwischen dem Ende des Siebenjährigen Krieges 1763 und der deutschen Wiedervereinigung 1989 liegen mehr als 200 Jahre. Aus einem zerstörten Kloster wurde eine Ruine. Gras wuchs über die Fundamente. Die letzten aufrechten Mauern aber überdauerten als stumme Zeugen die Zeit. Ein Verein nahm sich der Klosterruine 1994 an, führte archäologische Ausgrabungen durch und machte das verwucherte Gelände begehbar.

Klosterruine "Heilig Kreuz" bei Meißen

Klosterruine "Heilig Kreuz" bei Meißen

Seit ich vor zwei Jahren zwar einen Hecht davon überzeugen konnte mir an die Angel zu gehen, ich aber zu grün hinter meinen Anglerohren war, um ihn auch erfolgreich „zu landen“, stand der letztjährige Angelausflug ganz im Zeichen des aggressiven Raubfisches. Zwar gelang es mir nicht selbst ein Exemplar von meinem Köder zu überzeugen, so aber einem mitreisenden Anglerspezi. Mit vereinten Kräften schafften wir es aber auch im letzten Jahr nicht ihn in das sichere Boot zu befördern.

Vor zwei Jahren war dafür noch meine rudimentäre Angelausrüstung verantwortlich, denn die Schnur riss in Anbetracht des kapitalen Jägers. Im letzten Jahr geht der Misserfolg dann aber ganz klar auf das Konto zweier Unwissender. Schon so manchem Angler ging zwar ein Hecht an den Haken, aber nicht ins Netz.

Dieses Jahr sollte es nun klappen. Drei Tage verbrachten wir Stunden auf dem See. Immer hielten wir Ausschau nach möglichen Hechtrevieren. Bevorzugt liegen diese am Ufer, in der Nähe schilfbewachsener Bereiche. Am vierten Tag hatte ich die Hoffnung auf den Räuber am Haken bereits aufgeben, aber am späten Nachmittag bei bewölktem Wetter baute ich die Angel doch noch einmal „auf Hecht um“. Keine dreißig Minuten später zappelte ein Exemplar von 50cm Länge im Käscher. Beim Drillen und Landen sprang der Hecht zwei Mal aus dem Wasser und wäre fast wieder vom Drillingshaken gesprungen.

Ich musste mich setzen, mich beruhigen. Der See lag um uns herum wie ein Spiegel, in dem sich die Wolken frisierten und sich immer neue Haupthaarvariationen ausdachten. In Momenten, in denen „richtige Angler“ wahrscheinlich zu einem Flachmann greifen oder im Zweifelsfall zumindest zu einer Flasche Gerstensaft, orderte ich bei meinem Angelspezi einen Molke-Riegel. So ein richtiger Profi-Angler wird wohl nie aus mir werden.

Als meine Freunde und ich 16 waren, gab es nichts Größeres als das Wochenende; nichts Größeres als die Flucht aus der Kleinstadttristesse in die umliegenden Metropolen oder wahlweise auch in andere triste Kleinstädte in denen irgendwo in einem Jugendzentrum oder Kellerloch eine Band aufspielte, die stellvertretend für uns alle herausposaunte, was uns umtrieb: Zukunftsangst und Perspektivlosigkeit. In das Schreien und Flüstern zwischen Mitte und Ende der 90er fiel unsere Jugend im Nachwendedeutschland und unsere musikalische Sozialisation.

Wir waren eine Szene ohne bewusste Scheuklappen: Punk, Punkrock, Deutsch-Punk, Hardcore und Ska. Alles gehörte zusammen. Es gab keine Jugendkulturen, sondern nur eine alternative Kultur gegen Stumpfsinn, Nazis, Dorffeste, Heckscheibenaufkleber und Samstagabende auf Tankstellenparkplätzen. Unity war zumindest für uns kein Pathos, sondern gelebte Wirklichkeit. Wir merkten aber auch: Deutsch-Punk wurde immer dümmer und stürzte mit einer neuen „Oi-Punk-Generation“ endgültig in die Bedeutungslosigkeit. Hardcore entwickelte sich vom Jahrmarkt der Ideale zum Tummelplatz der Eitelkeiten und die Grande Dame Punkrock diente mehr und mehr als schlechtes Versteck für Rock’n’Roll-Klischees.

Eine Generation von Bands trat in unser Bewusstsein und veränderte unser Leben. Sie mischten unterschiedliche musikalische Ausdrucksformen miteinander. Sie beriefen sich wiederum auf Bands die Ende der 80er bereits versucht hatten aus Elementen von Punk/Hardcore und Indie-Rock etwas Neues zu kreieren. Auf ein Neues wurde alles miteinander kombiniert: schnell, langsam, laut und leise wurde ebenso zusammengeworfen wie Politik, Persönliches, Weltschmerz und Alltagsschrott. Es war Musik ohne „Ficken, Saufen, Oi!“-Chöre, ohne Tough-Guy-Machos und ohne Deutsch-Punk-Suff-Idioten. Bis heute bilden Jawbreaker, Samiam, Broccoli, Jets to Brazil, Jawbox und viele andere den Soundtrack dieser Zeit, unserer Jugend; vielleicht unseres Lebens.

Eine Band ragte damals wie heute immer heraus: Hot Water Music. Zum einen weil ihr Sound einzigartig ist. Zum anderen weil viele der Bands von damals heute nicht mehr aktiv sind. Hot Water Music sind noch aktiv, mit Unterbrechungen, aber am Leben.

Am Samstag spielten sie in Schweinfurt eine Clubshow im örtlichen Jugendzentrum „Stattbahnhof“. Wir setzten uns zu fünft in ein Auto und fuhren 300km bis nach Bayern. Es war ein bisschen wie früher. Wir machten uns bewusst wie lange wir so etwas nicht mehr gemacht haben. Wir erinnerten uns daran, wie viel Spass uns das doch aber immer gemacht hat: Wochenende, Auto voll packen, losfahren nach Rosswein, Nünchritz, Glauchau, Schmölln, Jena, Weimar, Erfurt, Quedlinburg, Magdeburg, Kronach, Saalfeld, Zeulenroda und weiß der Fuchs wo noch überall hin.

Seit dem sind mehr als 10 Jahre ins Land gezogen. Wir sind heute berufstätig, haben Nachwuchs gezeugt und Bäuche bekommen. Wir sind alle um die 30. Es ist die Zeit im Leben, in der man erstmals wehmütig zurückblickt und von „früher“ spricht – vor allem wie geil damals alles war. Und? Hot Water Music haben es geschafft uns nicht nur wieder daran zu erinnern, sondern uns dazu animiert zu fünft beengt in einem Auto 3h auf Autobahnen gen Jugendzentrum im Nirgendwo zu düsen – trotz weniger Platz im Auto wegen der Bäuche. Nicht nur das: Sie haben uns kollektiv vor Augen geführt, dass oben genanntes Zitat mehr ist als ein Slogan auf Unterarmen. Once again: „Live your heart and never follow!“

Vor einigen Jahren habe ich für meine Radiosendung eine Bande alter Männer interviewt, die ihrer Vorliebe für Heavy-Metal bereits zu DDR-Zeiten Ausdruck verliehen. Wir sprachen über ihr „Anderssein“ und die musikgewordene Flucht aus dem Arbeiter- und Bauernstaat. In diesem Interview fiel der denkwürdige Satz: „Slayer ist mehr als Musik, Slayer ist eine Lebenseinstellung.“ Was für die Speerspitze des Trash-Metal gilt,  besitzt ebenso für die heißen Wassermusikanten Gültigkeit: Hot Water Music ist mehr als Musik, Hot Water Music ist eine Lebenseinstellung. Als wir selig und verschwitzt im Auto saßen und nach Hause fuhren, als wir etwas unternahmen, was wir seit Jahren nicht mehr unternommen hatten, wurde mir das klar.

Früh um fünf lag ich im Bett. Am nächsten Tag durchforstete ich das Netz nach Ausflugszielen für den nächsten Konzertausflug mit Freunden in die Jugendzentren dieser Welt.

Das Sächsische Psychatriemuseum in Leipzig hat sich ein wenig versteckt im doppelten Sinne. Zum einen liegt es fernab der musealen Epizentren der so genannten Messemetropole. Zum anderen hat es in meinem Fall sogar neun Jahre gedauert bis ich überhaupt von seiner Existenz erfuhr. Dabei gibt es vieles zu erzählen über die Geschichte der Psychatrie in Sachsen.

Da sind zunächst die herausragenden Einzelschicksale: Johann Christian Woyzeck (1780–1824) etwa, in die Weltgeschichte eingegangen durch den Roman Georg Büchners, wurde 1824 auf dem Leipziger Marktplatz hingerichtet – trotz seiner psychischen Unzurechnungsfähigkeit. Ein anderer berühmter Fall sächsischer Psychatriegeschichte ist die sächsische Dichterin Lene Voigt (1891-1962). Einst wurde sie gefeiert für ihre Lyrik in sächsischer Mundart. Während der Herrschaft der Nationalsozialisten aber galt sie als „entartet“. Als freischaffende Autorin kann man über so einem Berufsverbot verzweifeln, so sehr sogar, dass man das zwangsberuhigte Leben einer Psychatrischen Klinik der nervenaufreibenden Freiheit vorzieht.

Eine Sonderausstellung widmet sich derzeit einem anderen berühmten sächsischen „Irren“: Daniel Paul Schreber (1842-1911). Seine Biographie und vor allem sein autobiographisches Selbstzeugnis „Denkwürdigkeiten eines Nervenkranken“ geben der Fachwelt noch heute Rätsel auf. C.G. Jung, Elias Canetti, Siegmund Freud und die Speerspitze der sächsischen Psycho-Mediziner der damaligen Zeit sahen in Schreber über dessen Tod hinaus jeweils ihre Theorien bestärkt oder bewiesen. Schreber wurde zum Gesinnungsgehilfen: hier ist er schizophren, dort ein Opfer elterlicher Macht und da heimlich homosexuell. Als Betrachter der Ausstellung, die den Besucher anhand von Schautafeln und ausgesuchten Ausstellungsstücken behutsamen Schrittes durch das Leben des Gerichtspräsidenten Schreber leitet, gewinnt man den Eindruck, dass Schreber ein Workaholic war, ein Getriebener, der vor allem Zeit seines Lebens unter den Spätfolgen der zweifelhaften Erziehungsmethoden seines Vaters zu leiden hatte.

Neben diesen „berühmten“ Einzelschicksalen greift das kleine Museum auch die Geschichte; besser – die Kulturgeschichte – des Psychatriewesens in Sachsen auf. Schautafeln, Ausstellungsstücke – wie etwa medizinische Instrumente – aber auch Gegenstände aus dem Alltag psychatrischer Kliniken, die vor allem das Leben der Patienten unangenehm prägten – wie etwa Kleidungsstücke des Klinikpersonals, Fixiervorrichtungen oder seltsame Apparate zur Erzeugung von Elektroschocks – geleiten den Besucher von den Anfängen psychatrischer Medizin über deren rasante Entwicklung mit dem Aufkommen der Industriealisierung und den grauenhaften Vorgehensweisen während der Hitler-Diktatur in die „Moderne“.

Die DDR-Psychatrie, so weiß das Museum in einem kleinen Videofilm zu präsentieren, war vor allem unmittelbar nach 1945 meilenweit entfernt von einer modernen Form der Behandlung. So ist es vor allem die Perspektive der Betroffenen und der Opfer, die als Subtext die einzelnen Stationen der Ausstellung verbindet. Vor allem durch den Verweis auf Einzelschicksale – auch aus dieser Zeit – kann man eine Idee davon bekommen, was es hieß psychisch instabil, depressiv oder schizophren zu sein im Arbeiter- und Bauernstaat.

Das Museum hinterlässt einen mit gemischten Gefühlen. Es mutet fast unglaublich an, dass zu allen Zeiten Mediziner zu wissen glaubten, „was hilft“: Moorbäder, Spaziergänge, Elektroschocks, Einsperren, Arbeit, Opium, Tabletten usw.

Über die Geschichte der Sächsischen Psychatrie hinaus, liegt der besondere Verdienst der kleinen Ausstellung darin, dem Betrachter vor Augen zu führen, dass jede „neue“ Wissenschaft auf Annahmen beruht – Annahmen, denen unter Zeitgenossen fast gesetzmäßiger Charakter zugesprochen werden mag – die aber schon ein paar Jahrzehnte später nicht nur an den Haaren herbeigezogen, sondern schlicht als menschenverachtend, primitiv und anti-wissenschaftlich erscheinen müssen. Nur – so mag man schlussfolgern – waren seiner Zeit die Verantwortlichen auf Grundlage ihres Wissensstandes durchaus an „Heilung“, „Milderung“ oder „Verbesserung“ interessiert. Die Mittel erscheinen erst aus dem Heute heraus fragwürdig, ja gar kontraproduktiv; nur: Ist es heute anders? Sind bestimmte „black boxes“ oder unerforschte Teilgebiete „neuer Wissenschaften“ nicht auch heute wissenschaftlichen Annahmen unterworfen, die sich in einigen Jahrzehnten vielleicht nicht nur als falsch, sondern gar als kontraproduktiv entlarven lassen? Im Bereich der Humanmedizin produziert dieser Entwicklungsweg über Irrtümer hin zu einem fundierten Wissen Opfer – Menschen, die auf dem Weg der Erkenntnis auf der Strecke blieben. Das Sächsische Psychatriemuseum erzählt ausgewählte Geschichten dieser Menschen auf eindringliche Art und Weise.

Das Sächsische Psychatriemuseum befindet sich in der Mainzer Str. 7.Und hat jeweils von Mittwoch bis Samstag 13.00 – 18.00 Uhr geöffnet. Das Sächsische Psychiatriemuseum ist ein Projekt des Vereins Durchblick e.V., einer Psychiatrie-­Betroffenen-­Initiative in Leipzig.